En la clase de Espectadores críticos el profesor nos propuso que traigamos arte que veamos en la calle, todas trajimos fotos de pinturas hechas en las paredes con diferente materiales, murales. Entonces el profesor, además de señalar que había otras formas artísticas que podemos ver en el espacio público como cantantes, performances; nos propuso que pensáramos la diferencia entre arte público y arte callejero.
El arte callejero no engloba únicamente al graffiti, sino también a otras muchas expresiones que, al mostrar sus elementos en lugares públicos y bastante transitados, tiene como iniciativa sorprender a los espectadores. Suele ser un llamativo mensaje que critica a la sociedad con ironía e invita a la lucha social, la crítica política o, simplemente, la reflexión. Así es cómo se origina en verdad, entonces podríamos ver una gran diferencia entre estas dos formas de arte ya que, al contrario el arte público se ubica en el escenario urbano, configurando múltiples entramados simbólicos, en los cuales confluye la percepción del sujeto y la experiencia visual de la misma, dando lugar a la fusión entre el mundo de la representación artística y los hechos de la cotidianidad. Es decir, irrumpe lo que vemos cotidianamente y muestran una obra de arte, un mural basado en los principios estéticos.
Un ejemplo de arte callejero en Argentina puede ser tanto los nombres escritos en las paredes como una declaración de ignorancia a las propiedades privadas o que tengan algún tipo de significado:
O alguno con ideologías fácil de representar como:
Un ejemplo de arte público es PRIMO, que son dos primos trabajando juntos para pintar murales para la ciudad. Lo que quieren hacer es imprecionar y pasar la barrera que limita el arte a las galerías.
También mostraron sus trabajos en el Subte B cuando fueron contratados por el Gobierno de la Ciudad:
En conclusión, en mi opinión ambas formas de arte son increíbles
y aceptables ya que el arte es muy subjetivo y nuestras perspectivas no son
iguales. El arte público me parece hermoso, y ciertamente te cambia el día si
lo ves en tu rutina, en camino al trabajo o a estudiar, pero el arte callejero
muestra reclamos y frases poderosas del pueblo.
Para saber más de estas formas de arte y los artistas:
Marina Abramovic es una artista
de performance que investiga y explora los límites de lo psíquico y mental. En
sus performance se ha lacerado a sí misma, se ha flagelado, ha congelado su
cuerpo en bloques de hielo, tomando drogas para controlar sus músculos, con las
cuales ha quedado muchas veces inconsciente, y hasta en una ocasión casi morir
de asfixia recostada dentro de una cortina de oxígeno y llamas.
. Sus performances resultan una
serie de experimentos que pretenden identificar y definir los límites en el
control sobre su cuerpo; la relación entre el público con la performer; del
arte y, por extensión, de los códigos que gobiernan la sociedad. Su ambicioso y
profundo proyecto se encamina a descubrir un método, a través del arte, que
haga a la gente más libre.
Como por ejemplo en “Rythim 0”, la performance que más me
cautivo y me pareció tan profunda. En esta pieza artística ella se posicionó
delante de una cámara, y dejo en una mesa 72 elementos para que el público los
utilizara en ella y con una instrucción “Soy un objeto, pueden hacer lo que
quieran conmigo”. Había elementos inocente como vino, miel, uvas, una pluma o
una rosa pero también había dañinos como unas tijeras, cuchillos, una pistola y
una bala, entre otras cosas. Ella quería
comprobar los límites del público y que harían en esta situación.
Marina se quedaba allí, pasiva e
inmóvil esperando que los espectadores interactúen con ella y la modifiquen
como un objeto. Al principio, cuenta que eran actos tímidos, como colocarle la
rosa, sin embargo luego la gente comenzó a animarse, la pintaban, la cortaban y
bebían su sangre, la movieron a un banco acostado y le pusieron un cuchillo
entre las piernas, un espectador le corto la remera y otro cargo el arma y la
dejo en su mano.
Luego, a las 6 horas le avisaron
que la performance se había terminado, al moverse la gente no podía
enfrentarla.
Esta pieza muestra la locura que
puede hacer una persona frente a una persona pasiva que actúa como objeto.
Demostrando la irracionalidad de los actos que luego no pueden encarar y
hacerse cargo cuando la persona vuelve a “vivir”. Igualmente muchos opinan que
esta obra representa el hecho de la objetificación de la mujer que sin lugar a
duda puede abarcarlo, porque no sabemos cómo reaccionarían como interactuarían
si en vez de Mariana hubiera estado un hombre ¿Le hubieran cortado la remera?
¿Habrían tenido actos tan sexuales como clavar un cuchillo entre sus piernas?
“The history
of men’s opposition to women’s emancipation is more interesting perhaps than
the story of that emancipation itself.”(La historia de la oposición de los hombres a la
emancipación de la mujer puede ser más interesante que la emancipación en sí)
Esta es una frase que una persona en la red social Tumblr colocó debajo de una foto de esta performance.
M e sorprendió y
me encantó, que esta mujer tomará este riesgo para ver los límites de las
personas y claramente demostrar estas acciones que se toman cuando consideramos
una persona objetificada. Es revelador y emocionante.
Lamentablemente este video no tiene subtitulos,
pero aquí explica la performance y muestra imagenes
Ella ha dicho: "Estoy
interesada en un arte que perturbe y rompa ese momento de peligro; por eso, el
público tiene que estar mirando aquí y ahora. Deja que el peligro te concentre;
esta es la idea, que te concentres en el ahora".
Nacida en Belgrado en 1946, hija
de guerrilleros yugoslavos, sus primeras performances fueron una forma de
rebelarse contra su estricta educación y la cultura represiva del gobierno de
posguerra de Tito. Como todo su trabajo, eran purificaciones rituales
encaminadas a liberarla de su pasado. En 1975 Mariana conoce a Ulay, un artista
con quien tiene en común sus preocupaciones artísticas. En las siguientes dos
décadas viven y colaboran juntos, realizan performances y viajan alrededor del
mundo. Sus performances exploran los parámetros del poder y la dependencia
dentro de la relación triangular entre ambos y los espectadores.
Una de las performance que hace
con él es “AAA-AAA” en la cuál por 15 minutos se gritan entre ellos y se van
acercando. Esta me apreció rara, y no me
transmitió nada. Me pareció hasta aburrida.
Una que sí me pareció linda es
una en que se encuentra con este antiguo compañero Ulay en una performance,
ella estaba sentada en una silla con la cabeza gacha sin ver quien venía a enfrentarse
con ella. Tenía un hermoso vestido rojo, largo que la desatacaba y una trenza
cocida. En la silla que se ubica frente a ella se sienta Ulay, barbudo con
traje y unas converse, animado y
alegre. Marina levanta la cabeza y lo ve. Sonríe. Se miran fijamente y se ven
en los rostros las emociones que sienten al reencontrarse, Marina llora y se
dan las manos tiernamente.
Me encantó porque es eso, muestra
las emociones de reencuentro, nostalgia, tristeza, amor. Me recuerda a un video
en que personas desconocidas se juntaban y se miraban, las instrucciones eran
dejarse llevar. Te transmitían el poder de la mirada y la fuerza que esta
tiene.
Este es el video de las miradas, si desean verlo
En conclusión, las performances
de Mariana me dejaron shockeada, y me emocionaron. Recomiendo que la
investiguen y vean su creatividad vanguardista.
Mile
Esta página fue mi fuente y explica muy bien la vida y orientación artística deMariana Abramóvic:
“Un marciano en La Boca” es una obra de teatro de títeres infantil
creado por Fernando Morando y Martín Sansarricq. Esta obra fue puesta en escena
por el Grupo de Titiriteros del Teatro San Martín. Explican que hace 38 años ,
en 1977, Kive Staiff fundó este grupo con Ariel Bufano cuando este arte no tenía
mucha difusión. Era un fenómeno único en Latinoamérica.
Hoy en día muestran que las ideas de los dos creadores
tuvieron frutos, estrenaron ya 54 obras y fundaron la Escuela de Titiriteros
que ha formado y alentado a los muchos egresados para continuar con este tipo
de arte que emociona y requiere de mucho esfuerzo. Uno de los directores de esta obra (Fernando)
es egresado de esta escuela.
Se trata de una historia contextualizada en los conventillos
de La Boca, con diferentes familias provenientes de diferentes países. Había un
personaje español, otro polaco y hasta una familia italiana. De repente, un marciano cae allí y
en el trascurso de la obra se ve cómo Ar- Vier (el marciano) que es diferente y
viene de otro lugar se une a estas familias humanas y se logra convivir con él
normalmente.
Lo que más me sorprendió de esta obra fue el escenario, los
conventillos como se crearon y diseñaron que parecían reales. Estaban llenos de
colores y parecían de chapa. Los títeres también fueron otra sorpresa, además de
estar muy bien preparados (parecían niños reales), la movilidad que tuvieron,
la boca cuando hablaban, era una coordinación increíble. ¡Parecían personas!
Además me asombraron con la movilidad de la obra, en un momento Ar-Vier se
esconde y con luces verdes y sonido se mostraba en dónde estaba, primero se lo
veía en partes del escenario, luego estaba en rejas cercanas a los asientos
tanto en el piso de abajo como en el de arriba.
Sin embargo, algo que me pareció un inconveniente fue que
unos personajes eran muy escandalosos, tenían voz muy aguda y gritaban mucho,
esto desconcertaba y no se podía entender del todo que estaba pasando. También,
niña que encuentra al marciano tiene menos participación que uno de los
amigos,
que me pareció raro porque si cuentan que es Alicia la que tiene el sueño de ir
a las estrellas y es ella quién lo encuentra primero, debería ser la
protagonista.
Sacando esos aspectos que me pareció importante señalar, la
obra es muy linda, emociona y también es divertida y entretenida. Recomiendo
que si quieren llevar a niños tiene que ser de 4 años para adelante, ya que
cuenta una historia que a los niños más pequeños no les llama la atención.
“La Menesunda” es una obra de arte que traspasa la distancia
entre obra y espectador. En la pieza original creada por Marta Minujín se pasa
por 11 situaciones que se organizan a
partir de una secuencia de espacios cúbicos, poliédricos, triangulares y
circulares, recubiertos por diferentes materiales, que generan estímulos
multisensoriales.
No tuve la oportunidad de ver esa obra pero sí la recreada por
las alumnas del Normal nº10, en un aula del instituto. Ese día entre al profesorado
y cuando me dirigía a la materia que cursaba ese día, vi una cola enorme en la
puerta del aula de al lado. No entendía que estaba pasando, cuando me acerque
pude ver que tenía hermosos flecos fucsias de papel celofán en la entrada. Me
pareció muy raro, me encontré con una
amiga y me contó que esta era su muestra de plástica.
Me explicó que todo el grupo de la clase de Plástica visitó
la obra original y utilizaron a esta como base e inspiración para realizar una recreación.
La propuesta fue del Profesor Zicca, y en verdad me pareció muy buena. No solo
por el hecho de que me pareció en sí la exposición interesante, sino porque
mostró que la educación no se da solamente en textos, información; se da
también a través del arte.
El primer punto que me pareció admirable fue que rompieron
con nuestra cotidianidad, todos los días vamos con la expectativa de ir a una
materia a estudiar o prestarle atención a un profesor. Pero ese día llegué y me
encontré con una pieza de arte armada en una sala.
Luego cuando entre, no creía que esa era un aula, parecía
más grande, había cartones finos grandes dividiendo las secciones. Una alumna
guiaba por dónde se empezaba. Al doblar,
vi dos chicas y una tela blanca colgada y un túnel. La alumna me indicó que
tenía que pasar por ahí, al hacerlo me encontré en una salita de juego. En el
piso había una alfombra de color claro y unos móviles colgados, todos juguetes
de bebes. Te daba ganas de tirarte y sentirte un bebé por unos segundos.
Continuamos a la otra sección, había pequeñas cajas negras y
carteles que indicaban que mires a través. La caja en su interior tenía unas
fotos, parecía que estuvieras en un diferente lugar mirando esas fotos. Algunas
estaban decoradas con pinturas o tinta fluorescente que daba una mirada
diferente. No todas las cajas tenían fotos iguales, pero sí todas tenían un
tema algunas eran escolares, otras de los años 20 entre otros. Una poseía una
foto colgada que si tirabas de un hilo se movía. Además jugaban con la
perspectiva ya que ponían imágenes más cercas que otras; otra en vez de dos agujeros
para los ojos, tenía una marcara entera para poner la cara, daba un poco de
miedo pero estuvo muy bueno.
Al lado de esto, había una proyección con una foto vieja que
ambientaba el lugar. La próxima sección era en la parte media en que se leía en
el cartón grande “que ves cuando me ves” y había muchos agujeros con diferentes
texturas, unos con muchos agujeritos adentro, otros con colores y otros hasta
se podían girar. A través de ellos se veía un conjunto de cosas que demostraban
la carrera docente, un delantal, libros, y
de modo similar que en las cajas, había carteles que jugaban con la percepción,
decían “miedo”, “inseguridad”, “alegría”. Se trataba de un lugar para
reflexionar sobre nuestra formación y todo lo que incluye. Me
gustó mucho porque muestra por lo que todas pasamos, te hace sentir incluida y comprendida.
Por útlimo, la sección final estaba al costado de esta y
estaba increíblemente iluminada, eran “tiras” de luces con lamparitas
orientales de papel
, en el piso había bolas de papel periódico y en el fondo había unas
cajas para sentir que había adentro sin poder ver lo que era. Me dio ansiedad,
al colocar la mano sentí algo raro y la saque, me dio risa mi actitud y la
volví a meter. Eran gomas, y en el otro había pedazos de goma eva. Sin poder
verlo se sentía raro y daba ansiedad, hasta un poco de miedo.
En conclusión, la experiencia me encantó la realizaron muy
bien y pudieron convertir un espacio reducido en una experiencia grande y
magnífica.
“El ocaso de la causa” es una obra que muestra el efecto de
la gravedad sobre nosotros. Está constituida por dos personas en escena y una
en una pantalla. Es un cruce de lenguajes que abarca tres formas de expresión
combinadas la danza, la musical (canto con instrumentos) y audiovisuales (un
video proyectado en una pantalla blanca).
La directora es Caterina Daniela Mora, quien estudió en UNA la
licenciatura en Composición Coreográfica y también realizo el profesorado de
Danzas Clásicas y Contemporáneas. Cómo interprete formo parte de variados
elenco. Las actrices que se ven en escena son Alina Soledad Marinelli y
Victoria Castelvetri. La obra se centra en la gravedad y en el peso que tiene
sobre nosotros.
En el comienzo todo es muy confuso, comienza con unos juegos
de sombras en la oscuridad. Luego, explican que pudieron hablar con un
astronauta norteamericano, mostrando en la pantalla a él contando su
experiencia en su viaje al espacio. En principio cuenta cómo se sintió flotar y
salir al espacio, que en verdad se siente cómo el cuerpo se libera de la
presión de la gravedad.
Me gustó la representación de eso, de la presión que tenemos
constantemente y no notamos y además de la caída. Ellas representaban a esta
última como algo propiamente del planeta Tierra.
Al principio resultó raro pero luego comencé a entender.
Estuvo increíble el juego de luces que guiaba la atención y creaba diferentes
ambientes: de tensión, luminosidad, relajación, intriga, entre otros.
La parte de musicalidad, de canto y guitarra se basaba en la
canción del astronauta que después de dejar su carrera se dedicó a cantar.
El final fue emocional y la obra me dejo una idea, otra
perspectiva interesante sobre el tema.
Mile
Si quieren escuchar la canción del astronauta (que me pareció muy linda) se las dejo:
"Proyecto 1527" es una intervención artística
situada en la provincia de Salta, en la avenida Belgrano al 1500, en la casa de
la familia Samson. Fernando Qüerio, nieto de los habitantes del solar, le propuso
a un grupo de artistas esta idea de dar vida a la casa abandonada a través de
diferentes manifestaciones artísticas. Al principio reunió a 25 jóvenes, pero
al tiempo se fueron sumando cada
vez más con ganas de participar de esta
iniciativa, cerca de 40 expositores se instalaron durante un mes y medio en la
casa ubicada en Belgrano 1527 y convirtieron sus paredes en obras de arte.
La familia de Fernando estaba integrada por Adolfo Samson,
su esposa, “Peti” Jarad, y sus hijas, Cristina, Noemí, Nora y Rut. Él cuenta
que aunque solo su tía abuela, la escritora y poetisa Juana Jarad, quien vivió
allí durante un tiempo, fue la que dedicó su vida al arte, en la casa siempre
se respiró un clima musical. Su abuelo Adolfo era un amante de la música, que
no pudo dedicarse a su vocación. Sin embargo, nunca dejó de cantar y de llenar
de canciones cada rincón de su casa, ahora convertida en un espacio de
expresión para 40 jóvenes artistas que, a través de sus creaciones, le dan vida
al olvidado lugar.
La puesta en marcha del proyecto se divide en tres etapas.
La primera comenzó con la habilitación y puesta en funcionamiento de la casa
(limpieza y reinstalación de los servicios de luz y agua), y finalizó con la
preparación y montaje de las obras. La segunda parte se concretará con su
reapertura a través de una muestra multidisciplinaria en la que, además de
recorrer los ambientes, el público pudo disfrutar de performances de teatro y
recitales de música. La etapa final consistió en la demolición del lugar.
La totalidad de la casa, según se vio en el documental,
quedó bellísima, llena de color y dibujos
emocionantes. Lo que más me
impresionaron fueron estos últimos, los dibujos. Muchos de los artistas decían
que estaban basados en sueños, religión y otros hasta en leyendas regionales.
Los artistas crearon obras imborrables de la memoria de cualquier persona.
Aunque no tuve la oportunidad de vivir esta gran experiencia, el documental me
hizo poder vivirlo. Sin embargo me entristeció pensar que tanto trabajo tan
hermoso y tan increíble sea desechado, derribado.
“Esta casa nos reunió, esta casa nos unió, que esta casa nos
permita que siga la creación” son las frases que recitan en el final de esta
intervención artísticas. Meras palabras pero con gran significado y más con el
ambiente que crearon, como un ritual de finalización. Velas, fuego y todos
reunidos
alrededor, recitando como las canciones folclóricas.
Otro tema que me pareció interesante fue que, tal como lo
dice el creador de esta propuesta Fernando “no es un montaje convencional sino
que está sujeto a los espacios del inmueble que, a diferencia de una galería,
presenta otras disposiciones con distintas potencialidades y limitaciones”. Los
artistas jugaron con las paredes, con materiales como hierro e hilo, aviones de
papel pegados con chicle, una decoración
en el jardín que tenía un significado relacionado con la libertad, el amor y la
muerte.
Me pareció una forma de arte extraordinaria, increíble y,
como es la primero que veo de esta forma, innovadora. Me parece mucho más
fructífera que una galería en un museo. Excelente, espero que se puedan ver más
como este proyecto.
Mile
Si queres saber más sobre este proyecto, acá dejo el documental:
"No me llore tanto" es un sencillo del cd "Canciones de cuna" de la fundación CACUCA (casa cultural de la calle). Es una organización no gubernamental, creada por iniciativa de Gastón Pauls, es una experiencia artístico-cultural para promover la creatividad y el aprendizaje en infancias y adolescencias en situación de desigualdad y exclusión social. Dan un espacio de contención y confianza para que los chicos exploren, descubran y reconozcan maneras de expresarse a través de un hecho artístico, para no sólo construir una mirada personal y crítica, sino también expresarse con libertad.
Como bien dice el
título, este es un CD con canciones de cuna escritas por chicos y chicas que viven en
situación de calle. Los autores tienen entre 7 y 22 años. Se les planteó en un
taller que escribieran textos, canciones, ideas, relatos relacionados a los
sueños que tenían, a lo que alguna vez le cantaron o lo que quisieran cantarles
a sus hijos. Las canciones fueron interpretadas por artistas reconocidos como
Ricardo Mollo, Lisando Aristamuño, Fito Paez, Luis Alberto Spinetta, entre
otros.
Cuando
uno piensa en canciones de cuna se le ocurre la clásica “Arroro mi niño, arroro
mi sol, duérmete pedazo de mi corazón”, que tiene una melodía lenta y que tiene
millones de versiones una más artificial que la otra; y luego, escuchas estos
sencillos y entre ellos “No me llore tanto” escrita por Nayeli (19 años) que le
dan un toque más personal y conmovedor a la canción. Está interpretada por
Ricardo Mollo, se escucha una guitarra que acompaña su voz. Ricardo Jorge Mollo es un músico argentino conocido por formar parte de dos bandas del rock nacional: fue guitarrista de Sumo en los años 1980s y actualmente es el guitarrista y vocalista deDivididos. Es considerado uno de los mejores músicos y compositores del rock argentino. Tanto el instrumento como la voz del cantante son armoniosos y tranquilizadores.
La
primera vez que escuche esta canción se me vino a mi mente el recuerdo del
abrazo de mi mamá. Cuando era chica y asustada corría a los brazos de mi mamá,
el calor, la seguridad, todo eso me trajo escuchar esta canción. Creo que lo
que da ese toque personal son las frases que repite, porque es lo que yo le diría a mi hij@ si está llorando o
asustado.
“No me llore tanto que ya se va a dormir
La mama, la mama esta acá la mama”
Acá dejo la canción, disfrútenla,
porque tanto letra y música son perfectas y hermosas.
Si querés saber más sobre la fundación y el proyecto:
“Mañana despertar" es un sencillo del cd
"Canciones de cuna" de la fundación Cacuca, es decir, casa cultural
de la calle. Fue escrita por Luciano Nieto de 23 años e interpretada por Luis
Alberto Spinetta.
Luis Alberto Spinetta (Buenos Aires, 23 de enero de 1950 - 8 de febrero de 2012), conocido como El Flaco, fue un cantante,guitarrista, poeta, escritor y compositor argentino de rock, considerado uno de los más importantes y respetados músicos en hispanoamérica. La gran riqueza y complejidad instrumental, lírica y poética de sus obras le valió el reconocimiento en su país, en Latinoamérica y en gran parte del mundo. Es considerado uno de los padres del rock argentino.
Empezó la canción y la melodía me hizo moverme de
un lado a otro siguiendo el ritmo dulce. La guitarra y un “aaaah” lo acompañan haciéndola
una pieza más preciosa. Luego, Spinetta comienza a cantar con esa voz fina, musical
y única, que también después de la mitad de canción se escucha la influencia de
su estilo, una guitarra eléctrica. Creo que nadie hubiera pensado en ese
instrumento para una canción de cuna, pero Spinetta lo probó y resultó
encantador.
En cuanto a la letra, me pareció profunda y que
seguramente el autor pudo sacar sus pensamientos sobre su hijo/a en la canción.
Escuchando atentamente, pensé que esta letra podría ser cómo un mensaje a su
hijo/a, diciéndole que tuvieron y que tendrán por pasar por mucho pero nunca lo
dejará. Siento que son las palabras que le dirá.
“Escucha en mis memorias sufrir la soledad,
que vos nunca estarás solo.
Escúchame, hoy por hoy,
esperarte en estas palabras.”
Me gustó mucho y creo que es una muy buena
canción.
“Madre
santa" es un sencillo del cd "Canciones de cuna" de la fundación
Cacuca, es decir, casa cultural de la calle. Fue escrita por Claudio de 16 años
e interpretada por Lisandro Aristamuño, músico y cantautor argentino. Trabaja como solista, ya sacó cinco discos con su estilo particular que mezcla influencias del rock y pop y electrónica con géneros tradicionales como el folclore.
Comienza
con una guitarra y un silbido que ya hace su efecto tranquilizador, luego se
escucha una voz cantante como de ópera, que te deja un sentimiento de
curiosidad ¿Por qué esa voz que no tiene nada que ver con el ritmo aparece?
Luego
comienza Lisandro a cantar, y yo me derretí con la voz, hermosa y calma. La
guitarra y su voz te dejan en un estado de relajación profunda. Sin embargo,
después me concentre en la letra de esta canción.
Habla
de una madre que promete a su hijo y le falla. Yo creo que habla del abandono
de su madre, que su madre se fue y lo dejo solo quién sabe por qué. Pienso,
además que la voz desconcertante del principio es un “guiño” sobre la situación
del autor.
Sin
embargo, a mí no me interesa escarbar tan profundamente en los significados
escondidos de una canción. Lo que me deja esta letra es la ilusión, la
esperanza que tiene el hijo para que su madre lo cuide y no lo deje. Y aunque me pareció fuerte escuchar esas frases me gustó.
"Te prometo
Que nunca te voy a dejar
Madre siento
Madre pienso
Que prometes
Y me vas a fallar"
En
conclusión, esta canción me emocionó mucho y me dejo los sentimientos a flor de
piel.
"Mirame"
es un sencillo del cd "Canciones de cuna" de la fundación Cacuca, es
decir, casa cultural de la calle. Fue escrita por Nayeli de 19 años e
interpretada por Fito Páez. Fito Páez, es un cantautor, compositor, y músicoargentino, integrante de la llamada Trova rosarina,y uno de los más importantes exponentes del rock argentino. Además ha incursionado como cineasta , guionista y novelista. Con más de 30 años de trayectoria, su obra musical está compuesta por 22 álbumes de estudio, 1 maxi sencillo, 4 álbumes en directo, 3 DVD, 12 álbumes recopilatorios y numerosas colaboraciones junto a destacados artistas internacionales.
La canción comienza
con un piano juguetón que te da la pista principal sobre la voz que lo va a
acompañar, Fito Páez aparece, cantando con su estilo llamativo y entusiasta. Se
escucha sentimiento en la voz, cariño y que está conmovido por la canción.
Teniendo esta conocida y explosiva voz, yo no creo que sea una canción de cuna,
es decir, no creo que cumpla su función primordial que es calmar y dormir.
A
mí me gusta, la letra que está conformada, en la mayoría, por frases que
comienzan con “mírame”.
“Mírame a
los ojos y veras que nadie te lastimara
Mírame a
los ojos y sentirás que mama te protegerá
Mírame,
mírame de a poco y con valor el sueño vendrá
Mírame,
mírame y veras que el sueño vendrá”
Eso
me dibuja una escena en la mente, el bebé con esos ojos grandes investigadores
acurrucado en los brazos de la madre mirándola tiernamente, conociéndola y adorándola.
Me lleva allí la canción y me conmuevo.
"Tu
mundo" es un sencillo del cd "Canciones de cuna" de la fundación
Cacuca, es decir, casa cultural de la calle. Fue escrita por Karina Martínez de
17 años e interpretada por Hilda Lizarazu.
Hilda María del Pilar Lizarazu es una cantautora, compositora de rock yfotógrafa argentina. Pasó parte de su adolescencia en New York y regresó a la Argentina en la década del 80 como fotógrafa profesional. Simultáneamente, inició su carrera como cantante, integrando bandas como Suéter y Los Twist. Hizo coros en la banda deCharly García entre los años 1990 y 1993, y también forma parte de su banda en la actualidad, desde 2009.
Los
primeros segundos de esta canción me llevaron a un mundo mágico, a la escena de
una bailarina vestida de rosa en un
mundo de fantasía. Es una canción alegre, soñadora e inspiradora.
"Tu mundo no sabe de dolores ni rencores,
En tu mundo solo habitan pajaritos de colores."
En
verdad siento que es una canción de cuna, porque te relaja y te abre la puerta
al mundo de los sueños. La voz principal es suave y el coro acompañándola
perfectamente hace más armoniosa la canción. Cada tanto se escucha como si
fuera un triángulo, para ser más específica un “tin tin tin”, que me da
sensación de elegancia, por lo que decía antes del recuerdo de la bailarina. La
veo a ella, jugando con el ritmo, con calma y gracia.
En
cuanto a la letra, es hermosa, son las frases de una madre llena de ternura y
amor. Pareciera que las palabras, hasta los tarareos (“naaa ah narana”), te
abrazan y te mecen.
"Nunca admitieron que me habían robado" tomé esta
frase de este episodio de Televisión x la identidad, es una iniciativa de
Abuelas de Plaza de Mayo. Presenta de 3
unitarios de ficción basados en hechos reales. En cada capítulo retratará, a
través de historias reales, la lucha permanente de las Abuelas de Plaza de Mayo
y su militancia por la recuperación de la identidad de los niños apropiados
durante la última dictadura militar.
"Nietos de la
esperanza" es el tercer y último unitario que lanzaron. Comienza con una
pantalla negra y sonidos de disparos, dándote una previa del escenario que te
van a mostrar. Luego un hombre muerto en el piso y, con un plano bajo, los pies
de los hombres que forzaron su entrada y revisaron la casa. Cortan nuevamente
la imagen y se escucha un llanto. Los hombres revisan bajo la alfombra y hay
una puerta, encuentran allí a una mujer con un bebé en brazos. En paralelo
muestran a una mujer en una iglesia perdiendo su embarazo. Hasta este momento
las escenas se ven de un color verdoso viejo, después aparece una mujer
ha
blando como en una entrevista sobre su historia como hija de desaparecida, su
plano es en color normal.
Así transcurre el corto, pasando de 1976 a 2007. Me gustó
mucho la forma de mostrar el momento de la dictadura y el de democracia, las
acciones que sucedían en el golpe tenían este color verdoso viejo mientras que
terminada esta etapa se veía con colores normales, sin ningún efecto.
El guion, las actuaciones, los efectos de sonidos (llantos,
gritos, entre otros), la música, se combinaba y relacionaba con perfección. La
producción de este unitario es increíble, al terminar de verlo me di cuenta que
tenía los ojos llorosos y la piel erizada.
Me parece importante que un tema tan importante y tan fuerte
como este sea tratado con el arte y la dedicación que se merece, y en este
corto lo lograron. Reflexionando sobre lo que acababa de ver me di cuenta que
está todo tan bien pensado que te sentís parte de la ficción y no parece que
estuviera solo basada en hechos reales. Parece un hecho real. Gran parte de
ello se debe al gran elenco de actrices y actores, entre ellos: Érica Rivas
(Lucía), Celeste Cid (Julia), Betiana Blum (Abuela), Alberto Fernandez de Rosa
(Abuelo).
Y el hermoso cierre que le dan a este ciclo de 3 unitarios
fueron testimonios reales de hijos de desaparecidos. Es fuerte y conmovedor,
pero al mismo tiempo esperanzador e inspirador viendo como no se van a dar
nunca por vencidos.
Ahora creo que lo importante es que lo vea quién se interesó
en esta crítica, porque tiene que vivir lo que describí por sí mismo.
Y también dejo una de las canciones del unitario que es hermosa y vale la pena escucharla:
El "Teatro x la identidad" fue ideado por las Abuelas de Plaza de Mayo en 2007 con la intención de convocar jovenes, darles información sobre los casos de apropiación que ocurrieron el la última dictadura y de esta forma poder encontrar más nietos y nietas. Una de sus piezas teatrales es "Mi nombre es...". "Mi nombre es..." es un monólogo creado por Anabella
Valencia que cuenta la historia de dos hermanas separadas de chicas
debido a que una de ellas fue apropiada durante la dictadura del ´76.
La escenografía es simple está compuesta
por un telón negro y una silla de escritorio del mismo color, junto con unas
diapositivas reflejadas en él, que iluminan el espacio dónde se desarrolla el
monólogo.
La actriz representa a las dos hermanas
gemelas, cada una cuenta sobre su vida, las costumbres que tienen, de que trabajan,
sus preferencias entre otras cosas. Se lograba diferenciar a cada una ellas
mediante el uso del efecto sonoro y visual del cambio de diapositivas, aparte
de un leve cambio de vestuario, lenguaje corporal y voz.
Gracias al lenguaje corporal es posible
notar ciertas pistas de cuál hermana es la que fue apropiada, a quien se
la ve tensa y cerrada; mientras que a la otra se la ve más desperezada, libre y
abierta. También se da a entender a través de unos globos rojos que aparecen en
la proyección de las diapositivas.
Es una muy buena historia, entretenida y
que te impacta. Al principio pensé que era una burla a los estereotipos de
personas que vemos regularmente, la "hippie" y la "cheta",
lo que era gracioso y burlón. Pero después empezás a notar cierta similitud
entre ellas, en sus discursos y sus preferencias. Yo pude verlo cuando las dos
dijeron que les gustaba el mismo tipo de postre y además una de ellas aclaro
que no tenía fotos de su madre embarazada de ella porque supuestamente se habían
quemado. A partir de ese momento, comencé a ver este monólogo de una forma más
seria y profunda. Al final, luego de que las dos cuentan un sueño recurrente
que las une, la historia terminó de impactarme por completo.
"Filigranas sobre la piel" es una obra de teatro
creada por Ariel Barchilan. Es de género dramático y se enfoca en una
conversación entre una mujer y hombre, este último está en una silla de ruedas
y no puede moverse. Ella lo visita para escribir lo que él le dicta.
La escenografía es oscura compuesta por telones negros, se
ve una silla y al lado el hombre en la silla de ruedas. Está solamente iluminado
ese sector del escenario, lo cual crea un ambiente oscuro, triste y también
tenebroso.
La obra, como dije antes, transcurre a través de la
conversación que ellos dos tienen. Ella demuestra miedo e incomodidad estando
cerca de él y el hombre se muestra intimidante y sombrío. Gracias al tipo de
preguntas que él hace y las reacciones de la mujer nos podemos dar cuenta que
el hombre esconde algo y lo carcome la culpa. Finalmente, luego de desentrañar
las metáforas que dicta y relacionarlo con su discurso, podemos llegar a la
conclusión que el fue un militar de la última dictadura.
Sin embargo no es lo único a lo que se puede llegar a
entender, pero lamentablemente yo no pude entenderlo en profundidad. Los diálogos
tenían metáforas o puntos de referencia como "es parte del mar/ río"
(se refiere a las personas que tiraban al mar para ahogarlas) que yo no pude
entender.
Me resultó una obra muy confusa y oscura, lo cual siendo un
drama está bien ya que es el ambiente que se debe crear, pero no es de mi
gusto.
"Peluquero que echa a un cliente" es un separador o corto del programa de radio ¿Cuál es? emitido por la FM Rock and Pop, conducido por Mario Pergolini,Eduardo de la Puente y Marcelo Gantman. Comenzó a emitirse a principios de 1993, la idea de Pergolini era hacer un programa con tres o cuatro personas al aire. En la última temporada fueron más de 20 los integrantes del programa, aunque "siempre la idea fue ordenar un poco el aire y producir mucho por atrás", según palabras textuales de Pergolini con motivo de cumplirse los 12 años de la radio. En todos los programas se escuchaba uno de estos cortos que mostraban en forma de radioteatro situaciones cómicas. Salió al aire por última vez el 23 de diciembre de 2011. Pergolini, emocionado, lloró luego de un discurso que había dado. Finalmente, lo único que pudo decir entre lágrimas fue "chau, loco". Se despidieron a las 12:54 con la canción "No está mal la soledad" de Los Limones.
Este radioteatro me gustó mucho, era simple, con efectos de sonidos (sonido de puertas, tijeras, entre otros), breve, pero muy cómico. Estaba ambientado en una peluquería, y los protagonistas como dice en el título eran un peluquero y su cliente, la pieza se enfoca solo en su conversación. El género es realista y comedia, lo recomiendo y recomiendo escuchar otras de este programa como "Llamada a Google Earth". Preferiblemente estas obras son para un público adulto o adolecente.
Mile
"Peluquero que echa a un cliente":
Fuentes para que puedan encontrar más información y más cortos:
"Embotellamiento" de Marcelo Cotton es un radioteatro argentino, en dónde protagonizan : Norma Pons, Mercedes Funes, Violeta Urtizberea, Marcelo Arteaga. Es de género realista ya que se trata de diferentes conversaciones telefónicas de diferentes personas en la misma situacion, están atrapados en un embotellamiento.
La acción ocurre en el centro porteño, más especificamente en la avenida Alem. Los personajes que se muestran conversando son cuatro: una mujer que esta yendo a una entrevista de trabajo, un hombre que se reune con alguien cercano que no ve hace mucho tiempo, una mujer grande que su hija esta dando a luz y una mujer que habla para encontrarse con su novio. Se escuchan fragtmentos variados de las conversaciones y en tres partes se escuchan a los locutores ( Valeria Delgado, Mario Portugal, Verónica Castañares y Valeria Weise) explicando la situación del tránsito, al principio, en el medio y al final. Esto posibilita guiarse en el momento que ocurre y qué pasa en el contexto de los personajes.
También, era posible sumergirse en la situación gracias a los efectos de sonido tanto de los sonidos de tránsito, como sonidos de murmullo de gente y la música de fondo en el momento que los locutores hacían el informe.
Esta pieza de radioteatro me pareció muy buena, muy cómica, y fácil de seguir, siendo yo una persona que no está acostumbrada a escuchar este tipo de obras. Investigando sobre esta forma artística, me parecío realmente curioso que comenzó en 1920 y su popularidad se incrementó cada vez más, tanto que la gente dejaba de hacer sus cosas para escuchar el radiodrama (otra forma de llamarlo) hasta las obras eran representadas en circos, escuelas, clubes del barrio. Sin embargo, lentamente se fue desvaneciendo con la llegada de la televisión y el cine (cómo bien dice la canción "Video Killed the Radio Star") y hoy en día no se escucha ningún radioteatro.
Exeptuando este gran proyecto, "+ Voces, + Historias" de Narrativa Radial. Se realizó la producción integral (guión original, grabación, dirección de actores, producción, edición final y distribución) de 10 piezas de ficción de no más de 4 minutos cada uno. Cada uno de los breves radioteatros, son unitarios (historias independientes que abren, se desarrollan y cierran) con un eje temático común: la radio como disparadora de la imaginación. Es decir, mostrar la otra cara de la radio, en dónde se ponen en juego las emciones y permite la libre imaginación.
Espero que algún día haya un programa de radio en dónde pasen piezas cómo esta.
"Reconciliación Imposible" de Victor Agú, es un radioteatro argentino protagonizado por : Nora Carpena, Mabel Landó, Hugo Cosiansi y Osvaldo Brandi de la campaña "+ Voces, + Historias". Es género realista, dramático, tiene un ambiente oscuro, triste, un locutor narra momentos, dando aún más aire de seriedad y dramatizmo. Se enfoca en tres personas, dos hermanas y un hombre, en do nde salen a la luz los problemas que tuvieron en sus relaciones. Hay diferentes efectos de sonidos, pasos, puertas, timbres, ambientandonos en la casa, en un pasillo, habilitandonos explayar la imaginación. El guión me pareció un poco leído pero puede que sea el efecto deseado para impregnar de drama la pieza.
No me gusto mucho, tenía frases fuertes y música hermosa, pero me aburrió. Pienso que debe ser porque por ahí esta destinado para un público de más edad.
"La aplanadora está completa" de Alejandro Sanz, un radioteatro argentino protagonizado por Osvaldo Santoro , Arturo Bonin, Susana Cart, Alejandro Apo, Eduardo Caimi de la campaña "+ Voces, + Historias". Es de género
drámatico, es una vista nostálgica hacia una amistad entre unos hombre que la muerte los fue separando.
Me fue díficil de seguir aunque los ambientes estuvieran bien diferenciados, por ejemplo, comienza con un funeral y se escucha una mujer llorando y música de funeral de fondo o el momento que uno de los personajes va a su casa que es todo más calmado. En un momento, esta pieza se vuelve más fantasiosa en dónde aparece una criatura sobrenatural narrando, el espirítu de uno de los amigos. Lo diferenciaron con una resonancia en la voz del personaje que, en serio, me hizo dibujar en mi mente la silueta del fantasma. Me gusto mucho que pusieran esa perspectiva.
Me perdí un poco en la historia, ya que los sucesos no son del todo lineales, debido al flashback de la última parte que me confundió. Igualmente, me resultó muy emotivo y nostalgico, los actores tuvieron una actuación muy buena.
